28 mar. 2012

EL CAMINO MÁS CORTO.- NADIE TIENE LA CULPA .-ESTEBAN CRESPO


                                                



Esteban Crespo, madrileño, 40 años. Ha trabajado en el documental para televisión y en el mundo del corto sus realizaciones han conseguido numerosos premios en certámenes por todo el mundo. Su corto LALA fue en 2010 nominada al Goya en esta categoría.

"Aquel no era yo" y  "Nadie tiene la culpa", protagonizados por Gustavo Salmerón, participan estos días en la 25 Semana de Cine de Medina del Campo, donde ha sido distinguido como Director del Siglo XXI otro cortometrajista señalado en EL CAMINO MÁS CORTO, Eduardo Chapero-Jackson.
Lala




















"Nadie tiene la culpa" es la historia de una pareja joven con 3 hijos, con unos sueños no realizados o aplazados, que la realidad  cotidiana y rotunda  absorbe, anula y traga como un agujero negro.


Pilar Castro y el mencionado Gustavo Salmerón, hacen creíbles esos personajes que se debaten entre la libertad ensoñada y la responsabilidad contraída. Excelente el trabajo de ambos.
Estamos ante un buen guión, una cuidada producción y uno de los talento del cortometraje español; ESTEBAN CRESPO.
 Véanlo y constaten que estoy en lo cierto


Nadie tiene la culpa from quieneslala on Vimeo.

27 mar. 2012

ROCK OF AGES.- PARA JUNIO, EL MUSICAL

                                                    


SÓLO ES ROCK AND ROLL, PERO ME SIGUE GUSTANDO

Rock of Ages, es la adaptación al cine de un musical de éxito en Broadway (también es el titulo del primer LP de The Band, la agrupación canadiense) Sustentado en el rock de los años 80. Suenan en él temas de Styx, Journey, Bon Jovi, Pat Benatar, Twisted Sister, Steve Perry, Asia, Poison.    Rebuscando he aquí una muestra de como el rock se parodia y se ríe de sí mismo y como cada década genera su propia nostálgica ironía.




Rock Of Ages (la película) se estrenará (comentan) para el mes de Junio. Adelantamos el trailer para seguidores del musical rockero, con la voluntad por cambiar el aire necrológico de las ultimas entradas en Venusyjanóbriga.
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Adam Shankman, director de Rock of Ages
En el reparto: Alec Baldwin, Paul Giamatti, Russell Brand, Malin Akerman, Gwyneth Paltrow, Julianne Hough, Amy Adams, Catherine Zeta-Jones (uhhh), Diego Boneta y ¡santo cielo! Tom Cruise...

Este señor sonriente es el director, Adam Shankman; coreógrafo, productor, realizador de vídeos musicales. Sus antecedentes son poco convincentes, pero...  ¡anda, alegra esa cara!


"SI EL SHOW NO TE DIVIERTE O MI MÚSICA ES DEMASIADO FUERTE PARA TUS OÍDOS, ES QUE ERES DEMASIADO VIEJO"
Ted Nugent


26 mar. 2012

"ANTONIO TABUCCHI HA MUERTO, SOSTIENE PEREIRA.

Fotomontaje propio Tabucchi, Pessoa, Pereira.

 
"En ese privilegiado espacio que precede al momento del sueño, y que para mí es el espacio más idóneo para recibir las visitas de mis personajes, le dije que volviera de nuevo, que se confiase a mí, que me contara su historia. Volvió y yo encontré para él de inmediato un nombre: Pereira. El Portugués Pereira significa peral y, como todos los nombres de árboles frutales, es un apellido de origen judío, al igual que en Italia los apellidos de origen judío son nombres de ciudades. (...)
Pero hubo otro motivo, esta vez de origen literario, que me empujaba hacia ese nombre: Una pequeña pieza teatral de Eliot titulada What about Pereira?, en la que dos amigas evocan, en su diálogo, a un misterioso portugués llamado Pereira, del cual no se llegará a saber nada. De mi Pereira, en cambio, yo comenzaba a saber muchas cosas."

Antonio Tabucchi

El autor de Dama de Porto Pim, Nocturno hindú, El juego del revés, Pequeños equívocos sin importancia, La linea del horizonte, Los volátiles del Beato Angélico, El ángel negro, Requiem... Y por supuesto Sostiene Pereira, ha ejercido sobre mí como lector, una fascinación que se da pocas veces. 
La mejor despedida a tan insigne escritor se la dejamos a Bernardo Soares:
"Pero en mi dominio, donde sólo la noche reina, tendrás el consuelo, porque no tendrás la esperanza; tendrás el olvido, porque no tendrás el deseo; tendrás el reposo, porque no tendrás la vida".   Fernando Pessoa

21 mar. 2012

TONINO GUERRA.-LA POESÍA SE HIZO CINE.


                                          


Puede que la comparación no venga a cuento; A  TONINO GUERRA yo lo tenía como el Rafael Azcona italiano. Guionista de un montón de películas que forman ya parte de la historia del cine Europeo.  Guionista que trabajó para Vittorio de Sica, Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, Franceco Rosi, Theo Angelopoulos. Wim Wenders, Andréi Tarkovski, Vittorio y Paolo Taviani. Sus ideas en el papel eran verdaderos poemas que luego los directores convertían en lo que hemos podido disfrutar en películas inolvidables.
El 16 de marzo cumplió 92 años. Su último guión, si no me falla el dato, fue el realizado para Angelopoulos El polvo del tiempo (2008).
El cine italiano ha perdido a su Rafael Azcona.
Entre la variedad de posibilidades VyJ destaca el arranque de Amarcord como muestra de su trabajo como guionista que Fellini convirtió en  imágenes repletas de poesía y nostalgia.




Alberto Morais realizó UN LUGAR EN EL CINE. Tonino Guerra cuenta sus vivencias y sus ideas. Aparece también Angelopoulos y el español Víctor Erice.


20 mar. 2012

NO SÉ NOS OLVIDE.- NÉSTOR ALMENDROS (9)

Las idas y venidas de las modas los meten en el cajón del ostracismo y el olvido. Recordatorios en Venusyjanóbriga de aquellos que dejaron una profunda huella en la Historia del Cine. Retrasar la inevitable erosión de esa huella, su recuerdo agradecido es el intento de: No se nos olvide... 

Néstor Almendros, Capítulo 9.

LA CHAMBRE VERTE                 Francois Truffaut                   1977
PERCEVAL LE GALLOIS            Eric Rohmer                            1978
L´AMOUR EN FUITE                     Francois  Truffaut                  1978
KRAMER CONTRA KRAMER    Robert Benton                        1978


                                                       

Uno de los films más bellos de Truffaut. Trauma ante la desaparición de los seres queridos. El protagonista, interpretado por el propio director, es un hombre que ha perdido a su mujer once años atrás. Una película en la que el director francés se unió a Bergman, Dreyer, Buñuel, Mizoguchi en una temática que quiere interesarse por los muertos, su permanencia entre nosotros, la sacralidad de su recuerdo.
La muerte de Julie, la esposa, no es mostrada. Su marido Julien Davenne, periodista,  destrozado replica violentamente al sacerdote que intenta consolar el insoportable dolor de su amigo.

"Lo que se espera de usted  (al sacerdote) es que diga --levántate y anda y que los muertos se levanten y anden. Si es incapaz de hacer revivir ahora mismo a Geneviéve Mazet, no tiene nada que hacer aquí, váyase..."

Film profundamente romántico, lírico. Verde sombrio de cementerio con el oro resplandeciente de los cirios.
Almendros se ha referido al "fôret de flammes" que requería la secuencia para la capilla ardiente como puro paroxismo con luz natural.  Supuso innovación y perfeccionamiento técnico; Forzó el revelado del negativo a 200 ASA.
Se llegaron a utilizar velas de doble mecha para incrementar la luminosidad.
No fue una película de éxito. La muerte no es comercial. Truffaut la produjo arriesgándose al descalabro económico. Fue como en los comienzos de su carrera un director de compromiso con su obra.

Rodada en Eastmancolor 5247 formato 1.66 con cámara Arri-BL, objetivos Cooke y Zeis



                                                   

Película rodada por completo en los estudios Épinay. Los decorados fueron de Kohut-Svelko, no realistas, estilizados. Una sensación de  miniaturas de la Edad Media.
Como dice Almendros; "A través de la estilización, Rohmer se acercó más a la Edad Media que ciertos epígonos del realismo en sus falsas reconstrucciones históricas"... "Cuando se filma en castillos de verdad se olvida de que no son los castillos, con policromías y mobiliario real, tal como eran".

Colores y formas. Efectos ópticos para la magia descrita por Cherétien de Troyes, cuyo texto original es seguido por Rohmer. Curiosas referencias a (con  Hugo de Scorsese se ha podido recordar)  Mélies y sus trucos elementales.
Su larga duración. El texto en un francés antiguo y en verso, resulto demasiado para hacerla comercial y aceptada.
Es una película muy original en la que el maestro Almendros puso su profesionalidad y conocimientos para conseguir una luz no realista (utiliza una idea de Star Wars para el duelo con espadas) o el material transflex para conseguir un luminoso Grial.
Película Eastmancolor 5247 formato 1.33 cámara Panavisión PVSR.

Vean un trocito de esta curiosidad.
             



                                                        
De nuevo Antoine Doinel, es decir Jean-Pierre Léaud. Evolución desde aquella lejana infancia dificil. Proceso autobiográfico. Crisis existencial del personaje que conocemos por El amor a los veinte años, Domicilio conyugal, Besos robados...
Cine y amor. Fugacidad. Búsqueda incesante.

"Curiosa película, verdadero collage. (...) Antonie Doinel volvía a vivir en la pantalla, maduro ya, vivía también de los recuerdos. La dificultad era armonizar formatos, blanco y negro, emulsiones, mi fotografía debía poseer cierta neutralidad. (...) Gracias al talento de Truffaut y su montadora Martine Barraqué-Curie, todo el heterogéneo material de procedencias diversas, se unificó para dar nacimiento, como en un mosaico, a una obra con unidad y armonía, como un perfecto objeto pulido, sin aristas"    N. Almendros

 

                                             


                                                        

Ese mismo año, 1978, Almendros regresa a Nueva York. Rodaría para uno de los grandes estudios; Columbia, con uno de los actores del momento; Dustin Hoffman y a las ordenes un director consideradon entonces  un nuevo valor del cine americano; Robert Benton.
La historia se basa en la novela de Avery Corman alerta de las consecuencias dolorosas de la separación matrimonial en los hijos, más que tratar sobre el divorcio en sí.

"Sólo en contadas escenas me permití efectos visuales con una estilización marcada. Los reservé para momentos especialmente dramáticos, por ejemplo, el momento en que Ted Kramer después de una gran pelea, entra en la habitación de su hijo. Vemos entonces el diseño luminoso de la puerta que se abre y la sombra del padre acercándose sobre el niño en la cama"

"¡Benton me pidió que examinara la obra de Piero della Francesca!"

"En una etapa posterior la referencia pictórica fue David Hockney"

"Propuse la idea de pintar las paredes de la habitación del niño con un cielo azul con nubes. Así, como Magritte, podíamos obtener algunos efectos visuales originales invirtiendo el orden natural de las cosas, el cielo dentro de la habitación y no fuera. El cielo azul con nubes era además un fondo neutro y los personajes se destacaban mejor"
Néstor Almendros.

Eastmancolor 35 mm tipo 5247 formato 1.85 Technicolor. Cámara Panaflex. Panavisión objetivos Super Pana Speed.
Oscar: Mejor película. Mejor director y mejor guión adaptado(Robert Benton).Mejor actor(Dustin Hoffman). Mejor actriz de reparto (Meryl Streep)
               



En abril Capítulo 10 y último.
El lago azul
El último metro
Outre-Mer (cortometraje)
Still of the Night
Sophie´s Choise
Loup, y est tu?

16 mar. 2012

MITO RELATO 95.- RUINAS SIN MEMORIA

© Ruinas sin memoria. Oleo sobre lienzo. M. Iglesias

Le gustaba sentarse frente al montón de piedras atormentadas por garras de zarzales y raíces musculosas de castaños y encinas.  Pasaba por aquel lugar de vez en cuando. Ensimismado, conjeturaba con la procedencia de las ruinas; pudo haber sido una vieja ermita abandonada, surgida de la inocencia de la fe. Una aparición portentosa a un partorcillo. Un milagro ridículo. Luego llegarían alegres romerías, que a su vez otros tiempos turbios posteriores, menos piadosos, silenciaron y transformaron en majada.
Con la caída de la tarde, en verano, prefería convertirlo en escenario legendario. Tal vez el pabellón de caza de un príncipe. Un lugar para encuentros secretos. Pero...
¿Y la fuente? ¿Y las tumbas vacías? ¿Y aquel pavoroso silencio?

Dos veces por semana visitaba a su padre en la residencia. Sin saber muy bien el motivo asoció sus pensamientos sobre la ruina con la dolorosa pregunta inicial del viejo al verlo llegar -- ¿ Y tú quién eres? 
 Un angustioso zarzal fue creciendo irremisible,  borrando la memoria. © M. Iglesias



EL PADRINO, CUARENTÓN.



                                 



A Roger Corman deben de estarle agradecidos un montón de directores y actores. Permitió aprendizajes, influenció en su estilo. De su protectora influencia surgieron Martin Scorsese, Ron Howard, Peter Bogdanovich, Jonathan Demme, James Cameron y FRANCIS FORD COPPOLA. 

Todos los aficionados al cine utilizamos el pretexto de las efemérides. Es una coartada perfecta para sacar a colación un determinado director o una película, que en este caso se amplifica por sus prolongaciones; EL PADRINO del que se cumplen cuarenta años de su estreno.
El mejor modelo para entrar en materia y definir esta esplendida obra (ciñéndonos a la primera entrega) es el melodrama de raíz europea. La épica tradicional y una lírica operística urdida sobre una crónica histórica narrada sobre bases del cine negro tradicional americano.
Melodrama de una descomposición familiar. Tragedia, familia, poder y violencia.
Referencias muchas veces citadas; Rocco y sus hermanos de Luchino Visconti. La épica del western. Después de estos cuarenta años lo dicho y escrito por los grandes maestros de la crítica : Carlos Losilla, José María Latorre, Ramón Freixas sigue siendo dogma válido. 


No olvidemos que fue una película de encargo. Que el guión contó con la colaboración del autor de la novela original Mario Puzo. Que se conjugaron otros factores para alcanzar un altísimo nivel artístico: La música de Nino Rota, la fotografía de Gordon Willis, los actores Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duval, Sterling Hayden, Diane Keaton, Richard Conte.
                         



                                                

Desde su estreno la mafia ítalo-americana fue ofrecida a los espectadores (cine, series, etc) como una reverencial forma de vida glamurosa, como un trascendente espectáculo ajeno a leyes y dictámenes morales, mezcolanza entre poder político, permisivo y corrupto, y maneras de alcanzar el mítico sueño americano.


La familia mafiosa de origen italiano con su patriarca Vito Corleone.  La sucesión en el cargo de capo por parte de Michael, el pequeño de la dinastía.
 Narración pausada, impecable, circular. La brutalidad y violencia en nombre de esa familia. La soledad de unos personajes que se arropan en las ceremonias, convertidas en secuencias magistrales; la inicial boda de Connie, presentación de los personajes de la opera, y el bautizo  montado en paralelo a una matanza.                        

 

12 mar. 2012

KEROUAC, EL VIEJO KEROUAC.


                                             


        "No serás nada en este mundo a menos que hagas lo que quieras. No planees nada. Simplemente ve y hazlo."       J. Kerouac
Sin fecha para su estreno en España asoma por el horizonte la adaptación de EN EL CAMINO, la más famosa novela de Jack Kerouac. Ha sido dirigida por Walter Salles.

 Un servidor tenía 20 años en 1973. Las lecturas de Hemingway. Saroyan, Joyce, Burroughs y Kerouac en aquel momento de nuestra vida consiguieron un impacto notable, como lectores y como soñadores juveniles. Cuando leí por primera vez En el camino me dieron unas ganas enormes de emprender ese viaje-aventura con dos mil pesetas en el bolsillo, como los personajes de Kerouac, a dedo, sin decir nada a nadie, sin depender de padres o familias, en busca de ese famoso viaje interior que me sobrepasaba y que quedaba resumido en  aventura, fiestas y chicas. Era el poder de la literatura. No era España entonces un país para jóvenes y hoy lo es para viejos.  Me quedé, pienso que como muchos, con las ganas. Releí a Kerouac y aunque algunas de sus historias han sido llevadas al cine, espero con interes el momento de poder ver esta On the Road de Walter Salles. Ya habrá ocasión de volver sobre Dean Moriarty, Chad King, Carlo Marx... "Y ese medio camino entre el Este de mi juventud y el Oeste de mi futuro (...) aquel extraño atardecer rojo."


 

6 mar. 2012

EL CAMINO MÁS CORTO.- El Circo de la Mariposa.

                                          



No he podido resistir la tentación. Tras la última entrada dedicada a la película de Tod Browning (Freacks 1932)  a sugerencia de nuestra señalada seguidora, CLAUDIA BOELO (muchas gracias) traemos hoy uno de esos cortometrajes de lujo, realizados como una gran superproducción, cuidadosa ambientación, interpretación, fotografía, música.
Es una historia de superación. Ambientada en aquella tremenda época de la depresión americana. Referencias a las penurias, a la desesperanza, pero también a la película de Browning en tanto y cuanto es la ternura y la superación ejemplarizante (tan del gusto americano) la que sustituye a aquella aterradora venganza de la citada Parada de los Monstruos. Por otro lado a nadie se le puede escapar unas cuantas referencias cinematográficas; Fellini, Buñuel, Lynch...



EL CIRCO DE LA MARIPOSA    Es un cortometraje de Joshua Weigel. Ha obtenido un buen puñado de premios, uno de los más destacados de la mano del mismísimo Clint Eastwood, el Camel Art & Film Festival 2010.

¿Qué ha hecho JOSHUA WEIGEL?

2 mar. 2012

FREAKS, 80 AÑOS INQUIETANDO.



TOD BROWNING (en el centro) con "sus" Freaks
Tod Browning nació en Louisville (Kentucky) en 1882. Murió en Hollywood  ( 1962 ) de un cáncer de laringe.  
Hombre introvertido, maniático, misántropo a tiempo parcial, imprevisible y con los años convertido en uno de esos mitos creados alrededor de una, poco definida y comprobable personalidad.
Browning izquierda. Lon Chaney, actor derecha. 
Según José María Latorre (El cine fantástico, edic. Dirigido Por) Browning estudió psicología y fue un gran aficionado a la magia y al ocultismo. Poseyó una colección completísima de libros sobre estas materias. Le interesaba lo irracional, la sediciosa manera de tratar la manifestación de la anormalidad dentro del ámbito de lo cotidiano.
Sobre su personalidad se pueden rastrear anécdotas y curiosidades: El director Edgar G. Ulmer contó a sus lectores, en una revista llamada "Midi-Minuit Fantastique", que el autor de Freaks solía contar historias extrañas y fantásticas a los miembros del equipo en las paradas del rodaje; terminada la jornada desaparecía y nadie sabía de su vida privada ni del lugar de su residencia. No se sabía si vivía solo o acompañado. No tenía amigos.
Fue un gran aficionado a lo fantástico, a lo extraordinario, a lo diferente, a lo bizarre.

Para los que gusten de matizaciones teóricas recordemos las definiciones de René Prédal  "es fantástico todo aquello que perturba y a menudo inquieta, todo lo que se refiere al sueño más que a la realidad, todo lo que desafía a la experiencia, a la racionalidad y a la lógica".
Gérard Lenne decía; "el fantastique es la confusión (en el sentido más preciso y matemático) entre la Imaginación y la Realidad, el choque entre lo Real y lo Imaginario.

Nos detenemos en la octogenaria cinta: La parada de los monstruos (Freaks-1932). Una de las películas más inquietantes de la historia del cine.
Sin duda revolucionaria para su época en la forma de mostrar el terror, tanto en su puesta en escena como en el argumento.
Una historia de amor imposible en un ambiente circense.
El enano Hans se enamora de la bellísima Cleopatra, que le engañará y humillará, casándose con él por su dinero y huir con sus verdadero amante. El resto de los componentes (fenómenos, siameses, troncos humanos, cabezas de alfiler etc) acabarán poniendo las cosas en su sitio.
Drama macabro. Surrealismo. Con historias añadidas diversas que contrapuntean y abren frentes sobre el asunto de la normalidad y la anormalidad. Imposibilidad de hacer coincidir ambos mundos. 
Browning comienza, mostrando al espectador las humillaciones a que son sometidos los freaks, de una manera atroz, impasible, para deja todo listo para la explosión de la penúltima escena, bajo la lluvia los freaks son filmados a su altura. El espectador participa de sus acciones desde el mismo punto de vista. La crueldad se hace discurso, estrategia. El compromiso del autor queda demostrado. Ese es su valor.

Aprovechemos para recordar a Schlitzie    entrañable y cariñoso ser ( inquietaba mis sueños de crío ) Pasado el tiempo se convirtió en  uno de los Freaks entrañables e inolvidables de la película. Aún continuo buscando las razones.





Interesados; Venusyjanóbriga recomienda el libro de reciente aparición sobre TOD BROWNING. Ediciones Cátedra de:
  José Manuel Serrano Cueto   un especialista en asuntos del cine de terror y sus creadores.
Pero también podemos echar mano de Carlos Losilla, el mencionado José Maria Latorre, Forrest Ackerman, Calvin Thomas Beck, Carlos Clarens...

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